Лекция
Привет, сегодня поговорим про музыка, обещаю рассказать все что знаю. Для того чтобы лучше понимать что такое музыка, музыкальное искусство, зоомузыкология, ai-музыкология , настоятельно рекомендую прочитать все из категории Эстетика.
Му́зыка (от др.-греч. μουσική) — вид искусства, в котором определенным образом организованные звуки используются для создания некоторого сочетания формы, гармонии, мелодии, ритма или иного выразительного содержания. Принято считать, что музыка является культурной универсалией, присутствующей во всех человеческих обществах. Ее определения значительно различаются по содержанию и подходу. Исследователи признают, что музыка определяется несколькими конкретными элементами (высотой, тембром, продолжительностью, формой и др.), однако единого мнения относительно их определений не существует. Создание музыки обычно подразделяется на музыкальные композицию, импровизацию и исполнение, в то время как различные аспекты музыкального искусства изучаются в рамках академических дисциплин (например, музыковедения и теории музыки), критики, философии и психологии. Исполнение музыки может осуществляться с использованием широкого спектра инструментов, включая голос для пения.
В некоторых музыкальных направлениях исполнение или сочинение музыки может быть в той или иной степени импровизированным. Музыка может быть скомпонована, секвенирована или иным образом создана для непрямого воспроизведения механическим или электронным способом, например, с помощью музыкальной шкатулки, шарманки или программного обеспечения для работы с цифровым звуком на компьютере. Музыка исполняется в публичных и частных пространствах, в том числе на таких мероприятиях, как фестивали и концерты, а также может выступать музыкальным сопровождением или саундтреком к фильму, телешоу, опере или видеоигре. Воспроизведение музыки — основная функция портативного аудиоплеера и CD-проигрывателя, а также универсальная черта радио и смартфонов.
Помимо просто развлечения, музыка часто играет ключевую роль в общественных мероприятиях, религиозных ритуалах, обрядах перехода, празднованиях и культурных мероприятиях. Музыкальная индустрия включает авторов песен, композиторов, исполнителей, звукорежиссеров, продюсеров, организаторов туров, дистрибьюторов музыкальных инструментов, аксессуаров и партитур. Композиции, выступления и музыкальные записи оценивают и анализируют музыкальные критики, музыкальные журналисты и музыковеды, а также любители.
музыкальное искусство и творчество — это мощные формы самовыражения, которые позволяют передавать широкий спектр эмоций и идей. Музыка, как и другие виды искусства, имеет способность влиять на человека, пробуждая в нем чувства, вызывая воспоминания или побуждая к размышлениям. В процессе создания музыки композиторы и исполнители используют мелодию, ритм, гармонию и тембр, чтобы передать свою внутреннюю сущность и вызвать отклик у слушателя.
Творчество в музыке включает в себя не только сочинение новых произведений, но и интерпретацию уже существующих. Музыкант, импровизируя или адаптируя музыку, вкладывает в исполнение свои эмоции и уникальный стиль, что позволяет слушателям воспринимать произведение с новой, свежей точки зрения. Музыкальное творчество может быть как индивидуальным процессом, так и коллективным, когда группа музыкантов взаимодействует и создает нечто большее, чем сумма их личных вкладов.
Музыка может передавать эмоции через различные элементы. Мелодия часто вызывает эмоциональную реакцию, будь то радость, грусть, восторг или беспокойство. Ритм, с его пульсацией и динамикой, может придавать произведению живость или напряженность. Гармония, которая объединяет ноты и аккорды, создает атмосферу, поддерживающую эмоциональное восприятие — от радости и легкости до тревоги и трагедии. Тембр каждого инструмента или голоса добавляет уникальность и может изменить восприятие произведения, добавляя глубину или легкость.
Музыкальное творчество также часто связано с другими видами искусства. Музыка в кино, театре и танце создает эффектные сцены, усиливающие зрелищность и эмоциональную значимость происходящего. Звуковое оформление может полностью изменить восприятие сцены, сделать ее напряженной, комичной или торжественной. Музыка, встроенная в визуальный контекст, помогает донести до зрителя или слушателя настроения и смыслы, которые невозможно передать только словами.
Музыка и творчество не ограничиваются только профессиональными произведениями. Они могут быть формой самовыражения для каждого человека, будь то игра на музыкальном инструменте, пение в душе, написание песен или прослушивание музыки, чтобы вызвать или изменить настроение. Этот доступ к искусству помогает человеку лучше понять свои собственные эмоции и переживания, а также развивает эмпатию, позволяя почувствовать чужие чувства.
Греческое слово «μουσική» представляет собой прилагательное женского рода. Женский род объясняется его согласованием с существительными женского рода др.-греч. τέχνη (ремесло, профессиональная деятельность муз, ср. позднейшее «техника») или греч. ἐπιστήμη (мусическая наука, знание предметов божественной деятельности муз). Позже прилагательное μουσική субстантивировалось, в Древнем Риме слово musica отмечается и в функции прилагательного (женского рода, например, в словосочетании ars musica) и как существительное (музыка).
В русском литературном языке XIX века закрепилось ударение на первый слог — «му́зыка», хотя у Пушкина и (позже) у кучкистов встречается архаичное ударение на втором слоге — «музы́ка».
В древнерусском языке вплоть до XVIII века в таком же значении использовалось слово мусики́я (от греч. μουσική) и дериваты, например, прилагательное «мусикийский», как в труде Николая Дилецкого «Грамматика пения мусикийского». Изредка прилагательное «мусикийский» применяется для стилизации под архаику и в литературных сочинениях XIX века, например, «мусикийские орудия» (то есть музыкальные инструменты) у Н. В. Гоголя в эссе «Жизнь».
На ранних стадиях развития человечества музыка была почти исключительно прикладной. Отсюда «каноничность» музыкального стиля, малая выраженность в нем индивидуально-авторского начала. В профессиональном творчестве зрелых музыкальных культур музыка постепенно освобождалась от непосредственной зависимости от слова, танца, ритуального контекста. Начиная с позднего средневековья (XV век), а особенно в эпоху Возрождения в Европе впервые развились формы так называемой автономной музыки (по Г. Бесселеру «преподносимой», то есть предназначенной исключительно для слушания), сложилась самостоятельная логика композиторского мышления, обособилась сама профессия композитора. В Новое время (начиная с эпохи барокко) «прикладная» составляющая продолжила существование в виде так называемой программной музыки, но параллельно возникали идеи «имманентной сущности» музыки, одна из наиболее популярных в XIX веке — идея абсолютной музыки. В творчестве авангардистов XX века «автономный» вектор истории музыки достиг очередной кульминации — композиторы давали своим сочинениям заголовки, исключающие какие-либо ассоциации с привычными жанрами и формами (например, «Пять пьес для оркестра» Веберна, «Структуры» Булеза, «Композиция № 2» Уствольской и т. п.), либо приписанные сочинениям заголовки имели сугубо условный характер.
Предполагается, что появление современного человека произошло около 160 тыс. лет тому назад в Африке. Около 50 тыс. лет тому назад люди заселили все пригодные для жизни континенты. Поскольку все люди мира, включая наиболее изолированные племенные группы, обладают некоторыми формами музыки, историки пришли к выводу, что музыка должна была присутствовать у первых людей в Африке, до их расселения по планете. Предполагается, что после возникновения в Африке, музыка существует, по крайней мере, 50 тыс. лет и постепенно превратилась в неотъемлемую часть человеческой жизни по всей планете.
Доисторической, или примитивной, принято обозначать устную музыкальную традицию. Примерами может служить американская и австралийская музыка аборигенов. Доисторическая эра в музыке заканчивается с переходом к записи музыкальных произведений. Одно из наиболее древних известных музыкальных произведений, записанное на клинописной табличке и обнаруженное на раскопках Ниппура, датируется примерно 1900—1600 гг. до н. э. Дешифровка таблички опубликована в 1986 году профессором Энн Драффкорн Килмер из Калифорнийского университета в Беркли. Согласно исследователю, табличка содержит фрагментарные инструкции по исполнению и сочинению музыки в гармонии третей и написана с использованием диатонической гаммы[10].
Один из древнейших зафиксированных учеными музыкальных инструментов — флейта. В частности, экземпляр флейты был обнаружен рядом со скульптурами, которые относят к 35—40 тыс. лет до н. э.
На стенах пирамид, в древних папирусах, в сборниках «Тексты пирамид» и «Книга мертвых» есть строки религиозных гимнов. Встречаются «страсти» и «мистерии». Популярным сюжетом были «страсти» Осириса, который ежегодно умирал и воскресал, а также женские песни-плачи над мертвым Осирисом. Исполнение песен могло сопровождаться драматическими сценами.
Музыка играла важную роль в жизни древних египтян. О значении музыки в Древнем Египте говорят настенные рельефы древних египетских храмов и гробниц с изображением музыкантов. Древнейшими музыкальными инструментами египтян были арфа и флейта. В период Нового царства египтяне играли на колоколах, бубнах, барабанах и лирах, импортируемых из Азии. Богатые люди устраивали приемы с приглашением профессиональных музыкантов.
Музыкальное образование считалось одним из важнейших для развития души человека. Музыканты и певцы играли видную роль в греческом театре. Считается, что именно в Древней Греции музыка достигла наивысшего расцвета в культуре Древнего мира. Само слово «музыка» имеет древнегреческое происхождение. В Древней Греции впервые отметили закономерную связь между высотой звука и числом, открытие которой традиция приписывает Пифагору. Музыка как предмет образования и воспитания и как составляющая общественной жизни имела огромное значение для греков и в целом — для всей позднейшей европейской цивилизации.
В древнегреческой мифологии покровительницей музыкантов была муза Эвтерпа. По традиции, ее изображали с сирингой в руках. Музыканты также поклонялись богу Аполлону (Фебу), который был покровителем всех искусств, а также медицины.
Азиатская музыка охватывает ряд музыкальных культур и включает арабскую, центральноазиатскую, восточноазиатскую, южноазиатскую музыку, а также музыку Юго-Восточной Азии. Некоторые из этих музыкальных традиций берут свое начало в глубокой древности.
Индийские женщины, одетые в традиционные региональные наряды, играют на музыкальных инструментах, популярных в разных частях Индии
Индийская классическая музыка — одна из древнейших в мире музыкальных традиций. На скульптурах индской цивилизации изображены танцы и старинные музыкальные инструменты, такие как флейта с семью отверстиями. В результате раскопок, проведенных Мортимером Уилером, были найдены струнные инструменты и барабаны в Хараппе и Мохенджо-Даро. В Ригведе, древнем индуистском тексте, есть элементы нынешней индийской музыки, а также используется музыкальная нотация для обозначения метра и способа исполнения песнопений[ Индийская классическая музыка (марга) монофонична и основана на одной мелодической линии или раге, ритмически организованной через талы. В поэме «Шилаппадикарам» объясняется, как можно создавать новые лады путем модального смещения тоники из существующей гаммы. Современная хинди-музыка испытала влияние традиционной персидской музыки и афганских моголов. Карнатическая музыка, популярная в южных штатах, носит преимущественно духовный характер; большинство песен посвящено индуистским божествам. В репертуаре также есть песни, акцентирующие внимание на любви и других социальных вопросах.
Индонезия — родина набора настроенных гонгов с многочисленными его вариациями, особенно распространенными на Яве и Бали
Индонезийская музыка зародилась со времен миграции культур бронзового века на индонезийский архипелаг во II—III веках до нашей эры. В традиционной индонезийской музыке используются ударные инструменты, такие как генданг и гонги. Отдельные музыкальные традиции развили уникальные и сложные инструменты, например, струнный сасандо с острова Роте, сунданский ангклунг, а также сложные и изысканные оркестры яванского и балийского гамелана. Индонезия является родиной «набора настроенных гонгов» — обобщающий термин для набора небольших, высоко звучащих котловидных гонгов. Гонги обычно располагают в порядке музыкальных нот, закрепляя их выпуклой стороной вверх на веревке, натянутой в низкой деревянной раме. Наиболее популярной формой индонезийской музыки является гамелан — ансамбль настроенных ударных инструментов, в который входят металлофоны, барабаны, гонги, коленные скрипки, а также бамбуковая флейта сулинг.
Китайская классическая музыка, включающая традиционное искусство и придворную музыку, насчитывает около трех тысяч лет. Она имеет свои собственные уникальные системы нотной записи, а также настройки и высоту звука, музыкальные инструменты и стили (жанры). Китайская музыка основана на пентатонике и диатонике, в ней используется гамма из двенадцати нот в октаве (5 + 7 = 12), подобно музыке, сформированной под влиянием европейской традиции.
Говорящий барабан — популярный инструмент в Западной Африке
Африканская музыка прошла значительную эволюцию на протяжении веков, и ее современные традиционные формы заметно отличаются от ранних. Развитие музыки не ограничивалось отдельными этническими группами; важную роль всегда играл творческий подход отдельных музыкантов. Основные источники изучения истории африканской музыки включают археологические находки, наскальные рисунки, устные предания, а также записи путешественников и исследователей.
Музыкальное влияние Черной Африки распространялось на Северную Африку уже в 8000—3000 годах до н. э., когда неолитические культуры вдоль рек формировали ранние музыкальные и танцевальные традиции. Одним из древнейших визуальных свидетельств является танцевальная сцена, обнаруженная на плато Тассилин-Адджер (ок. 6000—4000 гг. до н. э.). Миграции и культурный обмен способствовали распространению музыкальных инструментов и стилей по всему континенту. Такие инструменты, как говорящие барабаны дундун и ламеллофон ликембе, были адаптированы к новым условиям и потребностям. Взаимодействие с другими культурами, включая влияние европейских колонизаторов, также оказало влияние на африканскую музыку. Возникли сравнительно новые жанры, среди них — хайлайф в Западной Африке, конголезская румба], таараб в Восточной Африке и различные музыкальные стили Южной Африки.
Музыканты из штата Плато, Нигерия, с местными музыкальными инструментами: ксилофоном из рогов, барабанами и гитарой ручной работы
Сложность для исследователей представляют музыкальные сходства между отдаленными регионами, в то время как соседние территории могут иметь разные стили. Об этом говорит сайт https://intellect.icu . Например, многоголосый стиль пения народа бауле в Кот-д’Ивуаре настолько похож на стиль многоголосого пения ряда народов восточной Анголы, что сходство сразу же признается представителями обеих культур, несмотря на географическую удаленность.
Трансатлантическая работорговля вызвала распространение африканской музыки в Новом Свете, где модифицировались и иногда получили дальнейшее развитие такие инструменты, как фрикционный барабан. Духовная музыка, например, в религии кандомбле в Бразилии, восходит к формам поклонения ориша у йоруба в XVIII и XIX веках. Урбанизация и распространение христианства в XIX—XX веках породили новые музыкальные жанры, что дало толчок развитию африканской церковной музыки («Nkosi Sikelel iAfrika», африканский госпел, конголезский вариант латинской мессы Missa Luba), а также протестных песен, в которых зачастую адаптируются тексты религиозных гимнов и светских песен для сплочения оппозиции политическому угнетению («We Shall Overcome», «О, благодать»).
Музыка и танцы африканской диаспоры, сформированные в разной степени на основе африканских музыкальных традиций, заметно повлияли на американскую музыку, включая такие жанры, как диксиленд, блюз, джаз, а также многие карибские жанры, например, калипсо и сока. Многие жанры латиноамериканской музыки, такие как кумбия, сальса, румба, конга, самба, были основаны на музыке порабощенных африканцев и, в свою очередь, оказали влияние на африканскую популярную музыку[.
Мудсвинджер Ландмана (2006) — цитра с третьим порожком для обертонов, пример экспериментального музыкального инструмента
В XIX веке одним из главных способов знакомства публики с новыми музыкальными произведениями была продажа нотных изданий. Любители музыки из среднего класса исполняли их дома на фортепиано или других популярных инструментах, таких как скрипка. С появлением музыки XX века изобретение новых электрических технологий, таких как радиовещание, а также массовая доступность грампластинок привели к тому, что звуковые записи, прослушиваемые на радио или проигрывателе, стали основным способом знакомства с новыми музыкальными композициями[27]. С распространением радио и фонографов, использовавшихся для воспроизведения и распространения музыки, прослушивание музыкальных произведений стало намного доступнее. Теперь оперы, симфонии и выступления биг-бендов могли звучать прямо в гостиной каждого, у кого был радиоприемник или проигрыватель. В XIX веке доступ к новой музыке был в основном ограничен представителями среднего и высшего класса, которые умели читать ноты и владели фортепиано или другими инструментами. Появление радио и проигрывателей открыло возможность прослушивания музыки и людям с низким доходом, не имевшим средств на посещение оперы или симфонических концертов. Эти устройства также позволили слушать произведения из разных регионов страны и мира, даже если люди не могли позволить себе путешествовать в эти места, что способствовало распространению музыкальных стилей.
Академическая музыка XX века характеризовалось исследованием новых ритмов, стилей и звуков. Ужасы Первой мировой войны повлияли на многие виды искусства, в том числе и на музыку, и композиторы начали исследовать более мрачные и жесткие звуки. Традиционные музыкальные стили, такие как джаз и фолк, использовались композиторами в качестве источника идей для классической музыки. Игорь Стравинский, Арнольд Шенберг и Джон Кейдж входили в число влиятельных композиторов в академической музыке XX века. Изобретение звукозаписи и возможность редактировать музыку привели к появлению новых поджанров классической музыки, включая акусматическую и конкретную школы электронной композиции. Звукозапись оказала большое влияние на развитие жанров популярной музыки, поскольку позволила широко распространять записи песен и групп. Появление многодорожечной системы записи оказало большое влияние на рок-музыку, поскольку она могла делать больше, чем просто записывать выступление группы. Используя многодорожечную систему, группа и ее музыкальный продюсер могли накладывать много слоев инструментальных дорожек и вокала, создавая новые звуки, которые были бы невозможны в живом исполнении.
Джаз развивался и становился важным музыкальным жанром на протяжении всего XX века, а во второй его половине то же произошло и с рок-музыкой. Джаз — американская разновидность музыкального искусства, возникшая в начале XX века в афроамериканских общинах на юге США в результате слияния африканских и европейских музыкальных традиций. Западноафриканское происхождение стиля проявляется в использовании блюзовых нот, импровизации, полиритмии, синкопирования и свингового ритма.
Подборка электрогитар и усилителей в магазине
Рок-музыка — жанр популярной музыки, сформировавшийся в 1950-х годах под влиянием рок-н-ролла, рокабилли, блюза и кантри. Основой звучания рока чаще всего становится электрогитара или акустическая гитара, дополненная сильным ритмическим акцентом, задаваемым ритм-секцией. Наряду с гитарой и клавишными, в роли солирующих инструментов часто выступают саксофон и блюзовая губная гармошка. В своей «чистой» форме рок отличается использованием «трех аккордов, ярким, выразительным ритмом и запоминающейся мелодией». Традиционная ритм-секция в популярной музыке включает ритм-гитару, электрическую бас-гитару и ударные. В некоторых группах используются клавишные инструменты, такие как орган, фортепиано или, начиная с 1970-х годов, аналоговые синтезаторы. В 1980-х годах поп-музыканты начали использовать цифровые синтезаторы, например синтезатор DX7, электронные драм-машины, такие как TR-808, а также синтезаторные бас-устройства (например, TB-303) или клавишные синтезаторы басовых звуков. В 1990-х годах музыкальная индустрия начала активно использовать все более разнообразное компьютеризированное оборудование, инструменты и программное обеспечение, такие как цифровые аудиостанции. К 2020-м годам программные синтезаторы и музыкальные приложения для компьютеров открыли возможности для продюсеров-любителей создавать и записывать музыку, например EDM, прямо у себя дома. Они могут добавлять семплированные и цифровые инструменты, а также редактировать записи в цифровом формате. В 1990-х годах группы в жанрах вроде ню-метала стали включать в свой состав диджеев. Диджеи создают музыку, манипулируя записанной музыкой с помощью DJ-микшеров
Теоретические аспекты музыки изучает музыковедение.
Теория музыки ищет ответы на вопросы о том, каким правилам подчиняется музыка, что лежит в ее основе и чему надо научиться, чтобы не только грамотно исполнять музыку, но и понимать ее. При непосредственном восприятии музыки, с одной стороны, и ее рациональном анализе, с другой стороны, выделяются универсальные (характерные для любой музыки) категории — гармония, ритм и форма. В то время как ритм и форма присущи также другим видам искусств, звуковысотная структура (гармония) — уникальная, присущая только музыке, сущность. Мелодия и полифония, хотя и не являются столь универсальными, как гармония, ритм и форма, в ряде конкретных музыкальных складов приобретают огромное значение.
Прикладная теория, основываясь на материале исследований, ставит своей целью создание и совершенствование методов обучения музыке, позволяющих овладевать исполнительской практикой, тренировать восприятие музыки. Базовыми навыками являются сольфеджио — чтение музыки с листа, анализ и запись нот на слух, чтение различных видов партитур, оркестровок, искусство импровизации, азы композиции.
Музыка строится из музыкальных звуков. Они обладают определенной высотой (высота основного тона обычно от до субконтроктавы до до — ре пятой октавы (от 16 до 4000—4500 Гц). Тембр музыкального звука определяется присутствием обертонов и зависит от источника звука. Громкость музыкального звука не превышает порога болевого ощущения. Музыкальный звук обладает определенной длительностью. Физическая особенность музыкального звука состоит в том, что звуковое давление в нем является периодической функцией времени.
Музыкальные звуки организуются в музыкальную систему. Базисом для построения музыки является звукоряд. Динамические оттенки подчинены шкале громкостей, не имеющей абсолютных значений. В наиболее употребительной шкале длительностей соседние звуки находятся в отношении 1:2 (восьмые так относятся к четвертям, как четверти к половинам, и тому подобное (например Ритмическое деление).
Музыкальным строем называют систему отношений звуков по высоте, принятой в той или иной практике настройки музыкальных инструментов, которая характеризуется заданием частот звучания нот. Существует много разных музыкальных строев, например, пифагорейский или среднетоновый. На современных музыкальных инструментах с фиксированным строем обычно используется равномерно темперированный строй.
При настройке инструмента разным нотам присваиваются разные частоты звучания. При этом присвоение частот можно произвести разными способами. Например, чистый строй характеризуется абсолютно чистым звучанием квинты на первой ступени основной тональности, но при этом другие квинты звучат уже не так чисто, а некоторые — откровенно фальшиво (волчья квинта). Если немного изменить частоты звучания нот, то можно добиться улучшения звучания интервалов, которые, не будучи идеально чистыми, тем не менее, звучат приемлемо для слуха (как, например, на равномерно темперированном фортепиано).
Подавляющее большинство современных музыкальных направлений широко использует одновременное звучание тонов, которое называется созвучием. Созвучие двух звуков называют музыкальным интервалом, а из трех и более звуков — аккордом. В композиционно-техническом смысле гармонией называется объединение звуков в созвучия и их закономерное последование. Гармонией называется также отрасль музыковедения, изучающая эти закономерности.
По акустическому качеству и психологическому восприятию различают консонансы и диссонансы: первые благозвучны, звуки консонанса на слух как бы сливаются в единый многозвучный комплекс, вторые — более резкие и напряженные, звуки диссонантных созвучий на слух не сливаются воедино. Противопоставление диссонансов и консонансов, разрешение диссонансов в консонансы — ключевая особенность музыкальной гармонии барочного, классического и романтического периодов. В ряде авангардных музыкальных направлений, однако, противопоставление консонансов и диссонансов снимается.
| |||||||||||||||||||||||||||||
продолжение следует...
Часть 1 Музыкальное искусство и творчество, Эмоциональное воздействие музыки, Музыка искусственного интеллекта AI-музыкология
Часть 2 Классификация музыкальных произведений - Музыкальное искусство и творчество, Эмоциональное воздействие
К сожалению, в одной статье не просто дать все знания про музыка. Но я - старался. Если ты проявишь интерес к раскрытию подробностей,я обязательно напишу продолжение! Надеюсь, что теперь ты понял что такое музыка, музыкальное искусство, зоомузыкология, ai-музыкология и для чего все это нужно, а если не понял, или есть замечания, то не стесняйся, пиши или спрашивай в комментариях, с удовольствием отвечу. Для того чтобы глубже понять настоятельно рекомендую изучить всю информацию из категории Эстетика
Ответы на вопросы для самопроверки пишите в комментариях, мы проверим, или же задавайте свой вопрос по данной теме.
Комментарии
Оставить комментарий
Эстетика
Термины: Эстетика